sábado, 30 de julio de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LAS ÚLTIMAS LUNAS" de FURIO BORDÓN




Las Últimas Lunas – Dir.: Susana Hornos
De Furio Bordon


“(…)Después tejí un largo bramante de rayos luminosos 
para coser los días uno a uno; los
días que tienen un oriente legítimo o reconstituido, pero indiscutible.”
Vicente Huidobro. Altazor

Querer decir no es una tarea fácil. Tantos sentimientos se convocan y pelean en el paso previo a darle lugar a esto que soy…que no sólo enuncia, sino que también se estremece con la vida que pasa. Todo ha sido parte. Mi rostro templado al sol del día, mis vísceras que temblaron cuando conocí el amor, mis lágrimas que se escondieron cuando aprendí a perder…

Llegado a la lontananza, el viejo declama una verdad que le han dado los años. Es fábula eso de que encuentra el caldero de las monedas de oro. La dignidad de la vejez se aleja de la imagen falseada de la serenidad. Está más cerca de los pequeños detalles, de la libertad fantástica de la niñez, del pato Donald, el papel de regalo…la calidez.

Las maletas están a medio hacer en la habitación de los nietos. Un viejo maestro se permite recordar su vida antes de cerrar la valija. Los libros, Bach, Rafael…diminutos frente a la imagen viva de su amada. No habría palabra bella que explique su belleza; ni gesto tierno que asemeje su ternura. Con toda verdad, ella le pide que sea sincero porque duda de sus ganas de irse del hogar. Instigado por la congoja y el orgullo, él decide partir a un geriátrico, “dulcemente” llamados residencias de la tercera edad. Su hijo poco conmovido por la partida, pone el punto final a su indecisión.



Quizás este viejo maestro espera el cariño de una insistencia que no aparece. Y así decide… con una voluntad propia fatigada. Claro, no sin antes darse la oportunidad de despabilar a su hijo con una pícara franqueza.

Las Últimas Lunas, con dirección de la actriz Susana Hornos, es una obra donde se desestima ese lugar incólume de la vejez como la última estadía. Allí los sueños afloran con su máxima pureza, entreverados de recuerdos, alegrías y hasta fastidios. Plena de poesía y humor suspicaz, retrata una difícil decisión. Un dilema se debate entre conciliar el orgullo y la voluntad. Las actuaciones nos dejan sin palabra. Federico Luppi hace magia con este texto y nos regala algo sublime.  Es una pieza bellísima, imprescindible de ver, que emociona y enriquece.

La vida pega la vuelta. Estar en el final no nos asegura tener las palabras justas. Ellas vuelan y se desbandan. Lo que no debemos es desoír su hermoso canto.

Las Últimas Lunas se presenta los Viernes 20 hs, en el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543 CABA.
Ficha Técnica
Elenco:
Susana Hornos
Federico Luppi
Ramiro Vayo


Asistencia de dirección y producción: Lucía Tomás / Diseño de escenografía: Eliana Sánchez y Susana Hornos / Realización escenográfica: Eliana Sánchez / Diseño de luces: Pedro Zambrelli / Silbatriz: Marisa Pons / Diseño gráfico: Yael Silva / Fotografía: Gianni Mestichelli / Prensa: OCTAVIA Comunicación / Producción General: Pablo Silva y Susana Hornos / Autor: Furio Bordon / Dirección:Susana Hornos

Crítica: Guido Facile

sábado, 23 de julio de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LIMA JAPÓN BONSAI"




Lima Japón Bonsai – Dir.: Mariano Tenconi Blanco

Algunos días que pasan pueden acarrear algo nuevo. Hay voces que nos aconsejan que se comienza otra vez, que se ayuda al que madruga, o que siempre está “la” oportunidad de cambiar todo. El calendario pasa al igual que el tren. Nunca viene mal arriesgar algunas fichas.

La década de los noventa reparte sus aciagos frutos. Música de carnaval suena en los gabinetes económicos del librecambio. Los pueblos hastiados por la hambruna y la desidia, cargan en sus manos las piedras, las gomeras y los rifles. Las rebeliones vuelven a filtrarse entre las voces. Allí en Perú, el Movimiento Tupac Amaru, nutrido de campesinos, obreros y estudiantes, inicia sus objetivos de acción.

Ollantay, un joven trabajador, escucha los planes que su hermano y otros universitarios han urdido. La revolución exige un compromiso férreo de cada uno de sus participantes. Ignorando las razones de tanto tumulto político, el joven se decide a ayudarlos. Su tarea consiste en seguir a la hija del embajador de Japón, Izumo. Ya con las patas en las fuentes, atiende a cumplir con su trabajo, día a día…pero en un acto de desbocado altruismo revolucionario la secuestra.


Lima Japón Bonsai relata la historia de ambos jóvenes. La jovencita Izumo, a pesar de ser rehén, nunca oculta su talante de picardía. Y esas horas compartidas con el joven no tardarán en echar raíces de un amor particular. Ella es inquieta y bella…canta, ríe y actúa. Ollantay por el contrario, es tímido y avergonzado. Los roles cambiarán e Izumo tomará las riendas por el camino más endeble…el del afecto.

Con actuaciones excelentes, la obra es un retrato de lo impredecible del amor. Cualquier situación nos puede llevar a ese feliz extravío. Entre historias tan disímiles, ni el clima más hostil impide que algún brote florezca.

Lima Japón Bonsai se presenta los Domingos 21 hs en El Extranjero Teatro, Valentín Gómez 3378 CABA.

Ficha técnica

Elenco:

Yanina Gruden (Izumo)
Luciano Ricio (Ollantay)

Música original: Ian Shifres / Escenografía: Oria Puppo / Vestuario: Merlina Molina Castaño / Iluminación: Matías Sendón / Video: Gabriel Jofré y Mariano Tenconi Blanco / Coreografía: Carolina Borca / Asistente técnico: Osvaldo Clement / Asistente de Dirección: Belén Chaud / Producción y comunicación: Carolina Castro / Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco   

Crítica: Guido Facile  


jueves, 21 de julio de 2016

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA TEATRAL JUGAR CON FUEGO




JUGAR CON FUEGO
Una pieza adaptada de Strindberg.



Al entrar en la bella casona “Querida Elena” ubicada en la calle Pi y Margall, nos reciben con un apacible espacio reciclado, con destellos antiguos, y nos adentran a los espectadores en un submundo de años lejanos. Una hoguera en un patio con plantas y luces tenues, y ramas de árboles en caída formando una cortina viva, ya nos predisponen a una especie de antesala, de lo que va a venir. Una adaptación diferente y moderna de Strindberg.
Digo esto, porque aplaudo la valentía y la creatividad del director de animarse a “controversiar” la ideología de Strindberg de manera irónica. Ya que, todos los que conocen su obra, sabrán que fue perseguido por movimientos feministas. Y, esta pieza, está representada por parejas homosexuales.
Cuatro actrices, esperándonos ya en escena, nos muestran un comienzo poco convencional en el teatro, y eso hace que uno se sienta relajado en ámbitos distintos a los que nos tienen acostumbrados a ver.
La obra comienza con unos acordes y así empieza la acción.
Una historia homosexual de infidelidades no consumadas pero latentes en el seno de la pareja, hacen la diferencia de la primitiva obra del autor original.
Eso le da un “plus” extra a la adaptación, ya que hoy en día hay textos antiguos que no agradan verlos interpretados en el presente porque pierden la sutileza, la gracia y los dialectos de la época.
Cabe resaltar los silencios que hacen ruido (valga la redundancia), ya que no estamos acostumbrados a la lentitud en la que se desarrollan los textos y acciones que, por otra parte, nos incomodan por la falta de experiencia en la butaca. De todas maneras son destacables cuando, como en este caso,  hay demasiada verborragia dramatúrgica.
Actoralmente le daría un pulido amigable y unos retoques sin ofender. Desde mi crítica constructiva.

Ficha técnico artística








Crítica: Paola Zeus y Nazarena Bonamico.

martes, 19 de julio de 2016

ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ ROSARIO ALFARO





LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
RA: La metamorfosis de Franz Kafka, La Razón de mi vida de Eva Perón  y Éramos unos niños de Patti Smith, Yo necesito amor de klaus kinski, me gusta mucho leer biografías. No sé si me constituyeron como persona sino que me generaron nuevas formas de mirar  y pensar la vida y el mundo.

LLTV: ¿Último libro que leíste?
RA: Sácate la careta de Alberto Ure

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
 RA: La conquista de lo inútil de Werner Herzog. Me marcó en cuanto al trabajo y la dinámica de diario de trabajo, la posibilidad que me dio de abrirme la cocina de la filmación de su película.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?
RA: En la que puedo, siempre estoy con una libreta conmigo y voy escribiendo pensamientos, o imágenes o palabras o frases que me llaman la atención, creo que uno como creador siempre se nutre  indefectiblemente de lo que lo rodea y encuentro en el campo de la experiencia una usina de ideas y puntos de partida para crear nuevos proyectos artísticos.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
RA: a Eva Perón. Ella como personaje me cautivo y disfruto de escucharla y de su potencia, sería interesante poder charlar con ella.
 LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
RA: A klaus kinski, vivió una vida muy extraña y apasionada sería muy divertido compartir sus anécdotas.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
RA:. Si, Atrapa el pez dorado de David Lynch. Disfruto mucho de sus películas, cortos y entrevistas y por ello me lo regalo un amigo, pero el libro se trataba de reflexiones personales y conceptos de yoga y autoayuda, nada muy interesante.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
 RA: En cuanto a un aspecto negativo  los preconceptos, como podemos juzgar a algo tanto en forma negativa como positiva antes de tiempo y como esa actitud inevitablemente te lleva a un equívoco.



LLTV: Sos protagonista de “Bicicleta , o de cómo en movimiento se llega al equilibrio” en el Estepario Teatro, los viernes a las 21 Hs ¿Con qué se va a encontrar el espectador?

RA: Con una obra en la cual se van  al comienzo  ver reflejado, por las problemáticas de los personajes urbanos. Pero luego, durante el transcurso los personajes empiezan a torcerse o mostrar sus partes falladas, con momentos de comicidad, de angustia y de excesos. Todo este movimiento de emociones sucede mientras estos 3 personajes no dejan de pedalear en constante equilibrio y movimiento de su cuerpo, pero están por así decirlo siempre anclados al mismo lugar y preguntándose si es probable cambiar, modificar sus lugares comunes.

LLTV: Cómo es tu personaje.
RA:     Esta corrida, desde su infancia y una situación traumática que sufrió cuando aprendió andar en bicicleta y su vínculo con sus padres la marco en su vida. Le cuesta vincularse con los otros y está en un momento de su vida que necesita un cambio pero no sabe cómo hacerlo, todo esto le sucede mientras anda en su bicicleta y en sus bicicletas  (desde chica que tiene una; cinco en toda su vida) encuentra una metáfora de desarrollo de su vida. Toda esta angustia y desenfado esta relatado desde una mirada tragicómica.

LLTV: ¿Otros proyectos para el resto del 2016?
RA: Estoy trabajando en otro espectáculo como actriz “el grado cero del insomnio” dir Emilio García Webhi el cual termina a fines de julio en el teatro Beckett;  durante agosto realizare dos funciones (viernes 16 y 23 a las 23 hs) de mi unipersonal bestia, dispositivo para ser ella en el abasto social club y a su vez, el festival el porvenir en su 8va edición, en el que me desarrollo como productora junto a efímero (Julieta Potenze, Antonella Querzoli y Paula Baró ); por otro lado estoy coordinando dos seminario de actuación en la ciudad de la plata y comenzando a dirigir un espectáculo que se estrenará a fines de este año en la TAE – teatro argentino de la plata.




DOSSIER DE FOTOS JESSE HERZOG







Sitio del autor de las fotos: http://www.jesseherzog.com/

domingo, 17 de julio de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BECKETT Y EL MUNDO DE LAS ABEJAS"




Beckett y el mundo de las abejas – Dir.: Rubén Pires

“(…) esconde en los bosques armas y chocolates”
Beckett a Martin

El trabajo del escritor es puesto en marcha desde la disconformidad…algo lo deja indigesto. Toma plena conciencia de que este juego de moverse entre etiquetas no es la realidad.  Para muchos discurre entre ínfulas de dones o técnicas aprehendidas de cierta alquimia para lograr oro de sus palabras.

Pero un buen escritor no “sabe” decir. Dice, como amo de su lugar, de ensoñación, de asombro, de desprecio…de afecto…Nada lo intima cuando rompe a viento sus velas. Trabaja el material infinito, en la oscuridad, en los segundos del naufragio donde vemos al barco hundirse, como así también en la calma meridiana detenida y soleada.

No tiene límites…salvo claro, el estómago vacío y la prisión. Mejor dicho, el capitalismo y el sometimiento de los seres. Y un poco también los críticos e investigadores. La “erudición” académica se jacta del método y la correcta deducción. Cae el texto vivo y puro en formol y vitrinas, descripto y clasificado…otro más de tantos. Miran un cuerpo que se mueve, no ven el baile…miran la piel que sonroja, no ven el amor.

Martín es un joven antropólogo que logra conocer al ya viejo Beckett. Los “investigadores” de las universidades lo asedian con pedidos de archivos para estudiar su obra, y casualmente este escritor no tiene el orden de sus papeles como prioridad. Este joven tendrá como trabajo acomodar todo este material junto a Beckett. En una cruzada contra, lo que el nobel califica de absurdas interpretaciones, traman el envío de archivos falseados a los investigadores, desde tickets de sex shops hasta radiografías de rodilla. A medida que transcurren los días, las enseñanzas y las excentricidades del escritor fascinan a Martín hasta madurar una entrañable amistad.


Beckett y el mundo de las abejas es una obra sublime inspirada en la novela  “La apicultura según Samuel Beckett”, del escritor francés Martín Page. El trabajo de Carlos Weber (Beckett) y Carlo Argento (Martín) es maravilloso. Su performance hace reír, emocionar, y da que pensar. El joven antropólogo, ungido del método y la academia, descubre la singularidad del anciano Beckett. Es espontáneo, peculiar…y libertario. Plena de humor y poesía, la obra ofrece una imagen sensible del trabajo del escritor.

Cada palabra aloja un sujeto…le da sus marcas. Pueden ser una prisión o la misma independencia. Beckett comprendió que hablar de la libertad no nos hace libres. Las palabras derriban cuando se usan como flechas.

Beckett y el mundo de las abejas se presenta los Sábados 19 hs en Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062 CABA.

Ficha Técnica
Elenco:
Carlos Weber (Beckett)
Carlo Argento (Martín)


Diseño de Vestuario: Mercedes Uria / Diseño de Escenografía: Sabrina Lopez Hovhannessian / Asistente de Escenografía: Mariana De Sancho / Traducción: Pablo Rey / Música original: Federico Mizrahi / Diseño de Luces: Rubén Pires / Diseño Gráfico: Nah Lamoglia /Fotografía y video: PIC BY LIS / Asistente de Dirección: Liliana Andrade / Prensa: Silvina Pizarro / Dramaturgia y Dirección: Rubén Pires 

Crítica: Guido Facile

jueves, 14 de julio de 2016

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "LE CORVINÉ"




Le Corviné

Casi en mil novecientos cuarenta, un polaco delirante que pasaría veinte años de su vida vagando por Buenos Aires y sus alrededores, escribió una obra de teatro llamada Yvonne, Princesa de Borgoña. No fue hasta hace muy pocos años que Witold Gombrowicz (el polaco en cuestión) fue reivindicado y estudiado en nuestro país como se lo merece. Su estilo burlón, irreverente, caprichoso y provocador hizo que la crítica no le reconociera su lugar en la historia de la literatura.  O quizás su mirada sobre el mundo, su opinión sobre Borges, su homosexualidad.

Hoy es otra historia, muchos de sus libros pueden conseguirse fácilmente y hasta se organiza en esta ciudad un Congreso en su nombre (www.congresogombrowicz.com). Este resurgir gombrowiano tiene también como devenir a Le Corviné, una obra que los Sábados a las 22:00 se da en Espacio Aguirre (Aguirre 1270) con la Dirección de Braian Alonso. Un elenco muy joven da vida a este texto, con algunas decisiones de puesta que revisan y reescriben este texto en una clave que este humilde observador no pudo terminar de interpretar cabalmente. Pero aun así, muestran un despliegue muy intenso de actuaciones (cercanas a un tratamiento más clownesco que naturalista) que inyectan constantemente intensidad y colores en la obra. Lo primero a destacar, yo creo, es el trabajo que este grupo de actores y actrices entregan a lo largo de la pieza.

La puesta pareciera estructurarse alrededor de lo falso, hace acordar al imaginario de Tim Burton en esa sensibilidad roja y negra que tanto lo caracteriza en, por ejemplo,  Alicia en el País de las Maravillas. El vestuario, los maquillajes, las actuaciones, la música, todo subraya el artificio que el texto implica: ya que la obra cuenta la historia de un joven príncipe (bellamente interpretado por Julián Cardoso) al que las formas asignadas a su Majestad lo aburren. Se pregunta al principio de la pieza cuál es la ley que le obliga a esposar mujeres bellas y seductoras, y sólo para provocar a sus padres elige a la más fea (Yvonne, la muda) y se casa con ella. Esto genera un escándalo en la decadente corte y produce un simbronazo con resultados inesperados para el Rey Ignacio y la Reina Margarita y también para el Chambelán (sirviente y confesor del príncipe) que interpreta con mucha gracia Germán Rodriguez Estraviz. Por momentos, expresionista, la puesta redunda en el carácter artificial del comportamiento de la corte con una gran serie de recursos y efectos, algunos más afortunados que otros. Durante la obra le entran a uno ganas de que a esos personajes tan artificiales pudiera sucederles algo que los desestabilice, como bien sucede en el texto y la puesta de Alonso pareciera haber dejado de lado.


Pero es sólo una opinión, que no es la única, ya que la sala de Aguirre el día del estreno estuvo colmada de gente que aplaudió de pie y agradeció el viaje delirante que la compañía Pablito no Clavó Nada ofreció para su deleite. Le Corviné es una oportunidad para descubrir el trabajo de Gombrowicz, al que todavía hoy muchas personas desconocen.

Ficha Técnica:

Interpretes: Natalia Lisotto, Malen Sposito, Florentina Messina, Rosario Ibarra, Juan Pablo Ruiz, Romina Trigo, Julián Cardoso, Germán Rodríguez Estraviz
Dirección: Braian Alonso
Autor: Juan Pablo Ruiz
Vestuario: Virginia Vega, Tamarindo Vestuario, Josefina Tarquini

Crítica: Mariano Rapetti

Crítica: Mariano Rapetti.
Escenografía: Adriana Baldani



miércoles, 13 de julio de 2016

ENTREVISTA LITERARIA AL DIRECTOR TEATRAL MARIANO VOULLAT




LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
MV: Sergio, de Manuel Mújica Láinez; La bailarina de Izu, Yasunari Kawabata; El Capital, Karl Marx.

LLTV: ¿Último libro que leíste?
MV: El país de la nieve, Yasunari Kawabata.

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
 MV:. No sé, si alguno me marcó para siempre. Sí, los cuentos de Cortázar me han gustado tanto que no paraba de leerlos.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?
MV: Cuando estoy muy relajado, generalmente por la noche, cuando la ciudad descansa.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
MV: Al personaje de Córtazar en “Cartas a una señorita en París”. Porque sufría mucho y me parecía bueno hablarlo.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
MV: Al señor del libro de La bailarina de Izu, porque recorrió muchos lugares en la China, así me cuenta.


LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
MV:. El Escarabajo, de Manuel Mujica Láinez

LLTV: Estas dirigiendo en teatro “Señorita Julia” los sábados a las 20 Hs en el teatro Gargantúa. ¿Con qué se va a encontrar el espectador?
MV: Con una adaptación hecha por el grupo de un genial clásico teatral. Con una historia llena de amor, traición y manipulación. Con un teatro hermoso donde va a poder compartir un buen momento.

LLTV: ¿Otros proyectos para el resto del 2016?
MV: Estoy dirigiendo “Nosotras que nos queremos tanto” para estrenar en septiembre con Diana Jaunzarás, Susana Corti, Chiche, Cuca y Silvia Rovere.

Agradecemos la Prensa de Cecilia Dellatorre


CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "SER DE NADIE"




Ser de Nadie – Dramaturgia y Dirección: Mariana Coronado

Las paredes hablan en un recinto sagrado. Ser parte de la orden implica quehaceres entre el grupo de monjes… algunos con un oscuro pasado. Es el cumplimiento, la obligación…la decencia del sacrificio por ese verbo primero, hecho carne, hecho imagen en mayúsculas figuraciones, entre laudes y maitines de noches eternas.  

El cuerpo se tolera y se guarda mudo. Ninguna de sus posesiones puede hacerse lugar en el monasterio. Pero el sentir se manifiesta primero con un tú, y huye furioso de cualquier prisión…lamentarse no hace más que darle fuerza. Tal vez sean caminos que discrepan…el “pertenecer” al reino como su embajador o sentir la libertad del amor que brilla en las pasiones.

A la vera de esta eterna disputa comienza la historia. Dos monjes implicados de afecto deben conservar los modos en la institución. Sin embargo una trama siniestra asoma entre los establos. El secreto implica infancias ultrajadas que marchan subrepticiamente a la casa del abad.

El perdón y la expiación por el pecado, pierden sentido cuando el juez es miserable e indigno. Impartir el sacramento desde su investidura no hace más que sustraer sospechas de sus abominables actos. La confesión se torna una herramienta extorsiva… Pero el asedio de la culpa no podrá contener la verdad del testimonio de estos niños.

Ser de Nadie es una excelente pieza dirigida por Mariana Coronado que retrata la ignominia de un problema tan siniestro como el abuso de menores. Es un tema sumamente trágico abordado de una manera delicada, sin perder de vista los discursos que amparan el descuido y la indiferencia .El marco de la historia hace aún más evidente la” lógica” de la impunidad y el silencio.

Hay nombres que se borran junto con estas criaturas. Sus palabras muchas veces son desoídas. El rostro anciano cuelga en ellos a pesar de sus pocos años: seres repetidos, enlutados en su frente, que yerran con una inocencia aturdida…arrancada de la manera más vil. Las heridas de tan horrorosa maldad acompañan perpetuamente a las víctimas.    

Tal vez la penumbra esté en lugares de tanta “luz”. Los lobos sabrán mezclarse… Alzar la voz es la única manera que nunca sean perdonados.   

Ser de Nadie se presenta los Sábados 23 hs en Teatro La Mueca, Cabrera 4255 CABA


Ficha técnica:

Elenco:

Carlos Herrendorf (Abad)
Mathias Spitzer (niño)
Fernando Alvarez (Marko)
Marco De Luca (Bjork)
Juan Uriel Dujo (Friorik)

Iluminación y sonido: Carlos Guida / Música: Verónica Mihura / Vestuario: Karina Coronado – Mirta Moreira / Escenografía: Emilia Del Valle / Asistente de escenario: Martín Díaz / Asistente de Dirección: Francisca Tiscornia / Fotografía y diseño: Sebastián Romero / Prensa: Silvina Pizarro / Dramaturgia y Dirección: Mariana Coronado.

Crítica: Guido Facile