viernes, 27 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "CASANDRA ESTA INSOLADA"




Casandra está insolada – Dir.: Sabrina Marcantonio
Versión libre de Agamenón de Esquilo

“Pueda mi mano, en fin, tomar la muy amada
del dueño de esta casa cuando regrese: el resto será mejor callárselo.
Tengo sobre mi lengua un gran buey.
Quien podría de manera más clara explicar lo ocurrido
fuera el propio palacio si voz cobrase.
Yo hablo para quien sabe, pero frente a quien todo ignore
De nada he de acordarme.”
Guardián (vv. 33-39)
Agamenón

La vuelta del héroe. La autoridad se baja de su carro triunfal, sacude el polvo de sus botas, agradecido de su suerte, pletórico de loas. Agamenón vuelve a su hogar, gente expectante lo espera con brazos abiertos…y lenguas afiladas. Vuelve con un recado, fruto de su extensa travesía: Casandra, la profetisa hija de Príamo. Desdichada, la joven yerra en desencuentros con quienes la van a recibir. La dama del hogar, Clitemnestra, de mal gusto soporta esta llegada de la “intrusa”, no sin antes escenificar el amor y el odio contenido hacia su marido Agamenón. Un varón cercano al señor, ha amancebado a la dama en su soledad. Es Egisto, primo del señor, quien subrepticiamente conjuró con la dama una sorpresiva bienvenida.
Hogar fastuoso, acomodado, donde la voz de la autoridad no roe los excesos. Bebidas finas, juegos, goces…Empero hay una gota de vinagre en este odre: la fe ciega de Casandra en sus augurios. Algo oscuro se avecina. Ella sabe lo que viene, pero queda a la vera de su nuevo dueño. Agamenón, impertérrito, sostiene el derecho de la nueva criada en este hogar hostil. Egisto se prepara, Clitemnestra afila sus garras…
La versión libre del clásico de Esquilo, el “primer trágico”, reubica la historia en un hogar moderno, pleno de comodidad, propio de acaudalados. Agamenón vuelve de un largo viaje de negocios, sin llamas de Hefestos que lo anuncien ni heraldos de naufragios supervivientes. Pero es él, macho inquebrantable que vuelve para gozar las veleidades de su hogar. Al cruce de este displicente señor, Clitemnestra, su mujer, juega con dos caras: la que le otorga el poder de ser su señora, aún aherrojada al fuego que los conminó al matrimonio; y otra cara, la deseosa de venganza, la de leona que quiere reivindicar la muerte de su hija Ifigenia en circunstancias dudosas. Partícipe de la estratagema de venganza está Egisto, quien arrastra una querella familiar con el señor que aún no ha mermado.
Todo marcha, salvo por Casandra, diáfana en sus decires, quien blandirá hojas de premoniciones por los aires. Agamenón no la escucha, Clitemnestra y Egisto deben silenciarla…¿cómo? El descrédito: “Casandra está insolada”. La “enferma” y “delirante” joven será el eje de la obra. Así el destino trágico se consume, sin reparos en Apolo ni en oráculos de Delfos.
La obra de Esquilo, relata el retorno y el crimen que acaecen en la casa real. Agamenón, hijo de Atreo de Micenas y de la reina Aérope, parte a Troya como comandante en jefe de la escuadra griega junto a su hermano Menelao. A su vuelta, sucederá uno de los hechos más representativos de la tragedia clásica. La obra es parte de la única trilogía completa que ha llegado del autor. En las contiendas teatrales helénicas los dramaturgos presentaban un bloque de tres tragedias y una obra satírica (comedia). La Orestía, conformada por Agamenón, Las Coéforas y Las Euménides, fue ganadora del certamen en 458 A.C. A diferencia de la poesía hexamétrica Hesiódica u Homérica, Esquilo escribe en verso de manera que desarrolla una acción puesta en escena (drama significa acción), que remite a hechos heroicos y míticos del pasado, por lo cual es considerado (no sin tener antecedentes fragmentarios) el primero de los tres trágicos canónicos, seguido por Sófocles y Eurípides. La “tragedia” que deriva de “tragos”, macho cabrío, era un canto que se ofrecía en el altar de Dionisio, dios de la alteridad y la transformación. Estas se presentaban en disputas, análogas a competencias atléticas donde el ganador era distinguido y ofrecía el sacrificio del cabrón al dios y la ciudad. Las obras presentaban un coro que relataba imparcialmente las vicisitudes de la historia, un protagonista, y un deuteragonista quienes sostenían un conflicto. En estas irreconciliables diferencias se hallaba la armonía de la obra. Agamenón incorpora un tritagonista, que corresponde a Casandra o Egisto.
Al igual que las demás piezas, el destino trágico, inexorable, se ciñe sobre el hogar de los átridas. Atreo tortura y ultima al padre de Egisto; Agamenón ofrece para el favor de Artemis en su campaña bélica el sacrificio de su hija Ifigenia : “Grave sino no obedecer, pero grave a una hija, el orgullo de mi casa, degollar manchando mis manos en chorro brotado de una virgen moribunda. ¿Hay algo que esté libre de males? ¿Cómo escapo a la escuadra dejando a mis aliados? Lícito es desear con ansia el sacrificio que amanse al viento con virginal sangre. ¡Para bien sea!” (vv.205-217). Clitemnestra, hija de Tindáreo y Leda, deseosa de venganza prepara junto a Egisto su plan. Casandra, hija de Príamo, rey vencido de una ciudad pulverizada por el “rapto” de Helena a manos de Paris, es similar a un botín de guerra. Cada historia contiene una lógica para su desenlace trágico, justificable por las intervenciones del Olimpo. El final de Agamenón, se articula con Las Coéforas y Las Euménides, donde la historia de venganza vuelve a acechar teniendo como protagonista a Orestes, hijo del fallecido rey.
Estas pequeñas viñetas sobre el autor acompañan mis intenciones de describir la obra Casandra está insolada. Es una muy original adaptación, sutil a la hora de plantear similitudes y diferencias con el clásico; llena de emoción gracias a un elenco que deja todo, paso a paso, parlamento a parlamento. Hay risa, hay tristeza, hay ironía, hay de todo. Un placer ver el compromiso de una puesta en escena que reivindique la obra clásica de una forma coloquial y novedosa. Esto es teatro. Casandra está insolada demuestra que un drama de dos mil cuatrocientos años atrás tiene infinitas posibilidades de contarnos los límites del entendimiento y el sentir humanos.
Casandra está insolada se presenta los Viernes 21 hs. En El Piso, teatro y afines, Hidalgo 878 CABA.
Ficha técnica
Elenco:  Julian Castro (Egisto)
                Florencia Colace (Casandra)
                Ayelén Duniec (Clitemnestra)
                Franco Planel (Agamenón)

Música original: Rodrigo Alcaraz / Escenografía y vestuario: Casandra está insolada / Diseño gráfico: Margarita Cubino / Diseño de Iluminación: Marcos Ribas / Prensa: Carolina Reznik / Asistencia de Dirección: Marianela Follonier / Dramaturgia y Dirección: Sabrina Marcantonio.     

Crítica realizada por Guido Facile

ENTREVISTA LITERARIA AL ACTOR IGNACIO HUANG


LLTV: ¿Podrías mencionar los tres libros más importantes que hayas leído, o que mayormente te hayan constituido como persona?

IH:. “La campaña” de Carlos Fuentes. “El club de la buena estrella” de Amy Tan y “El color púpula” de Alice Walker.

LLTV: ¿Último libro que leíste?

IH: La peregrinación al Oeste” de autor anónimo.

LLTV: ¿Escribís? ¿En qué circunstancias lo hacés?

IH: Escribo guiones teatrales. Me gusta hacerlo en una mañana relajado de domingo con el desayuno por medio. Pero en realidad también escribo cuando viajo en colectivo, agarro un pedazo de papel y escribo todo lo que imagino en una escena con letras movidas que solo yo entiendo.

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

IH: La Campaña de Carlos Fuentes, por los 3 motivos de la lucha que mencionó un personaje: “Ahora tú dime, Baltasar el criollo, si esta lucha mía es por venganza, por convicción o por fatalidad

LLTV: ¿Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

IH: Que cuando levanto un libro ya me pesan los parpados… eso cuenta?

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?

IH: A Gregor Samsa de “La Metamorfosis” seguramente le pondría mucho azúcar al café y hablaría cosas muy raras, hmmm… ya estoy arrepentido de invitarlo, debe ser muy asqueroso!!!

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa,  dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

IH: No se, pero seguramente no invitaría a la protagonista de “El color púrpula” porque escupe en los vasos de agua.

LLTV: ¿Recordás haberle leído a alguien en voz alta alguna vez, haber sostenido una lectura compartida, fuera del marco de lo que son los ensayos teatrales?

IH: Las veces que suceda eso me pone tan nervioso que antes, durante y después de la lectura no tengo la mínima idea de lo que estoy leyendo o escuchando. No me pasa eso con los ensayos teatrales.



LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

IH: No he tenido experiencia así, porque nunca pongo expectativas a un libro, siempre dejo que me sorprenda.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?

IH: Que no aprende. Han pasado guerras, revoluciones, y murieron gentes. Pero la humanidad sigue repitiendo los mismos errores.

LLTV: Estas presentando hasta el 19 de abril todos los sábados y domingos de marzo a las 20:30 Hs en en el Centro Cultural de la Cooperación, “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto”. Es un espectáculo de títeres tradicionales chinos. ¿Nos poder contar con qué se va a encontrar quien presencie la obra?

IH: Se van a encontrar con algo totalmente nuevo para la experiencia de un occidental. Se van a sumergir en un universo desconocido, no solo por la distancia sino también por el tiempo. Personajes y situaciones totalmente novedosos, conceptos culturales diferentes, y otro punto de vista para re-significar lo que es el arte escénico y seguramente será una experiencia enriquecedora.

LLTV: ¿Con qué criterio se hizo la adaptación, teniendo en cuenta las diferencias culturales entre ambo países?

IH: Es importante mi rol como autor-puente entre ambas culturas. Conozco bien cada pueblo, y trato de encontrar la equivalencia perfecta para que la re-interpretación sea a nivel esencial y no literal. Por ejemplo, hay un personaje dentro de la obra que es muy goloso, y cuando se puso a imaginar algo rico, le puse dulce de leche.

LLTV: ¿Proyectos laborales para el 2015, que se puedan contar?


IH: Aparte de “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto” seguirá con las funciones durante todo el año en diferentes espacios teatrales, se re-estrena obras como “Impurgables” y “La maquila”. 2 películas independientes por grabar. 1 película comercial en Venezuela, y posiblemente una tira en Colombia.


 “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto”, el primer espectáculo de Títeres Tradicional Chino en Argentina, presentado por el Grupo Hua Guo Shan, todos los sábados y domingos de marzo a las 20:30 hs. en el Centro Cultural de la Cooperación,hasta el 19 de abril inclusive.

A partir del 25 de abril se presentará todos los sábados a las 17:00 hs. en el Teatro Gargantúa. 

Ignacio Huang (Co-protagonista de la película "Un cuento chino", con Ricardo Darín) dirige esta bella obra, la cual adaptó al español de la canónica novela china “Peregrinación al Oeste”. Este espectáculo, interpretado por artistas chinos y argentinos, promete un viaje inolvidable hacia el corazón del gigante asiático. Acción, comedia y moralejas con estilo inédito. El espectáculo cuenta con la ejecución de títeres originales, creados por los integrantes del Grupo Hua Guo Shan. Una experiencia única que permitirá revivir esta perla cultural que ha entretenido a grandes y chicos desde hace más de 1500 años.

Prensa: María Eugenia Souto para OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural

viernes, 20 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "NUEVA YORK" de DANIEL DALMARONI





Nueva York – Daniel Dalmaroni. Dir. Jorge Schwanek

“Han lanzado sus ojos al fondo del pozo:

ahora me sube del pozo el reflejo de su repugnante sonrisa.”

Nietzsche

Varias personas han logrado que un secreto monstruoso se convierta en un ínfimo comentario al pasar. ¿Es complicidad? No, todo el tablero está dispuesto para evitar lo que la joven Dolores tiene para contarnos.

Discursos familiares ensamblados, picada y pileta de por medio. Ernesto, el padre, asiste a la confesión aberrante de su hermano, el tío Mario. Así comienza la obra, con un golpe de morbo que nos ubica expectantes hacia algún tipo de redención. La historia transcurre mediante relatos extravagantes de un trío de personajes: Mario, el tío; Ernesto y Marta, padre y madre. En la vereda opuesta Dolores, quien arrastra la pesadumbre de no ser escuchada. Cada oportunidad que tiene para confesar se dispersa por otros diálogos. La joven está atrapada en esta telaraña. Marta, su madre, cuenta sin tapujos historias graciosas plenas de morbidez. Ernesto, pilar de esta ilusoria unión familiar, insiste en la convivencia. El tío, se hace el desentendido.

La calamidad está instalada en estas escenas familiares donde historias pueriles obturan la tremenda verdad. Así, la joven Dolores, resignada, aporta esa cuota de espanto que frente a lo absurdo de la cháchara familiar, genera en la obra un humor negro y sarcástico. Los personajes de Nueva York logran de forma precisa establecer el continuo contraste entre lo gracioso y lo espeluznante. El final nos sorprenderá.

La obra de Dalmaroni se caracteriza por el humor negro edificado en una cuestión horrible y criminal, sin embargo está muy bien articulado con las ocurrencias de estos seres, lo cual matiza lo ofensivo del asunto y nos invita a pensar. Todo aquello que esta familia no registra…entra por la ventana: así la joven Dolores se jacta de una rebeldía desinteresada.

Nueva York goza de un elenco espectacular con actuaciones que logran de forma adecuada la sintonía de la obra. La pieza nos enseña cómo los errores de la palabra generan sinsentidos, pero la falta de ella, sujetos aislados, dolidos…faltas difíciles de corregir.

Nueva York se presenta los Viernes 21 hs en Teatro El Ópalo, Junín 380 CABA.

Ficha técnica

Elenco:

                Rodrigo Cárdenas (Mario)

                Sofi Cristi (Dolores)

                Ricardo Galizia (Ernesto)

                Nanci Raquel Losada (Marta)


Escenografía y vestuario: Fernando Gaba Theuler/ Diseño gráfico y fotografía: Carolina Erbes / Producción: Jorge Schwanek / Prensa: Silvina Pizarro / Asistente de dirección: Fernando Sforza / Guión: Daniel Dalmaroni / Dirección: Jorge Schwanek.

 Crítica realizada por Guido Facile

miércoles, 18 de marzo de 2015

EL DOLOR Y LA APARIENCIA Por MARIELA LAURA ZAPPINO



El dolor y la apariencia vienen juntos de la mano,
me defienden de mis ojos que desean tocarte.
Lo que siento no coincide con lo que es, ni el pensamiento
y el cuerpo sin entender, decide por sus medios.
La confusión es de ¿dónde estoy?
y termina en la resolución de ¿Quién soy?.
Trato de inspirarme en tus manos lastimadas,
en tu voz que entra en filo 
profundamente acompañando ardor,
sin dejar a la respiración, ni a mi saliva paso.
Tus dedos aprietan mi cuello, y yo no los veo.
Intenté desafectar mis sentimientos,
Pero entendí cuánto más te acercabas.
Mencionaste mi juventud y desechaste lo que decía,
Entonces callé mil cosas en un latido
y envejecí veinte años por temor a otro rechazo.


viernes, 13 de marzo de 2015

CRITICA A LA OBRA TEATRAL "SIN DIOS"






Preguntarnos por el sentido de la vida parece vagar en círculos persiguiéndonos la espalda. Sin Dios, sin certeza, solo con un pequeño farol, arrojados a la búsqueda eterna sin respuestas que cuadren.
 Preguntarse puede ser un suplicio. Un filósofo alemán afirmaba que el lenguaje es la casa del ser. En un mundo donde la metafísica se ha oxidado, el lenguaje, es la choza del ser. Mejor dicho, un iglú. Lugar frío, donde el cuerpo marca el tiempo con sus tics y sus humores. Nunca habrá respuestas. Sin Dios, las palabras solo serán ruidos convencionales. Los que padecen se han dado contra la pregunta como un vacío insondable.  Sin embargo, es casi inevitable pensar en estas respuestas…y es un esfuerzo agotador.
Sin Dios nos invita a saltar este vacío de una forma divertida, cómplice, escenificando la sintomática y normal vida de tres personajes entrañables: Nau, Tiburcio y María. Tres ejemplos de las preguntas acuciantes donde la respuesta se esfuma como arena: el otro sexo, la muerte (lo caduco), el sentido (al menos uno), etc. Así tenemos a “Nau”, Náufrago, erguido en la evidencia de su amigo invisible; “Tibi” para los amigos, relativista, minucioso y ordenado; y María, cariñosa y sensible. Tres personajes donde se alternan la alegría y la congoja, la lentitud y la compulsión.
La obra aborda de manera cómica el tránsito de estos tres personajes que yerran en relatos y fantasías. Cada uno con su turno, su ticket. Las paredes serán la pizarra donde se graben los aforismos que surjan del vivir de estos seres.
Sin Dios invita a reír con lo absurdo de situaciones muy cotidianas a través de un magnífico elenco, compuesto por Lucio Cerdá (“Tibi”), Jorge Noguera (Nau) y Marina Wainer (María). Los personajes despiertan empatía y compasión. Así junto a esta excelente pieza, podemos tomarnos un descanso de tanta elucubración, perder la lechuza de Minerva, y acordarse de lo espontáneo.
Sin Dios, con dramaturgia de Marina Wainer se presenta en Teatro El Estepario, Medrano 484 CABA, los Sábados 21 hs.
Ficha técnica
Elenco: Lucio Cerdá (“Tibi”)
                Jorge Noguera (“Nau”)
                Marina Wainer (María)
Escenografía y vestuario: Cía. Viajera Producciones / Asistencia de dirección y luces: Carmela Silva / Fotografía: Valeria Alvarez / Producción: Cía. Viajera Producciones / Dramaturgia y Dirección: Marina Wainer 


Crítica: Guido Facile
Prensa Carolina Resnik

jueves, 12 de marzo de 2015

ENTREVISTA LITERARIA AL DIRECTOR TEATRAL MAURO YAKIMIUK


PH: Sebastián Sánchez



LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona. 
MY: Es muy difícil elegir tres libros solos, voy a nombrarte tres que me gustaron y que recomiendo ciegamente: “Espera a la primavera, Bandini” de John Fante, “Claus y Lucas” de Agota Kristof y “Los Cuentos Completos” de Edgar Allan Poe. Tres libros estupendos.

 LLTV: ¿Último libro que leíste?
 MY: Suelo leer algunos al mismo tiempo. En estos días terminé “Cuna de gatos” de Kurt Vonnegut y “Senilidad” de Italo Svevo. Ahora estoy empezando a leer la novela “Descenso brusco” de Juan Guinot, siempre es un lujo leer a Juan que además de amigo es un excelente escritor. Otro autor argentino que no pueden dejar de leer es Sebastián Chilano, su última novela “Méndez” es de esas novelas que te atrapan tanto que se leen en unas pocas horas.

 LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
 MY: Hay muchos libros que me marcaron. Voy a elegir dos que tienen que ver con escribir: “Ser escritor” de Abelardo Castillo y “Mientras escribo” de Stephen King.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?
MY: Trato de escribir todos los días, aunque sea un par de hojas, ideas sueltas o algo acerca de alguna imagen disparadora que me surja. El final de “La que nunca estuvo” surgió un día que me levanté a las tres de la mañana pensando en ese final. Lo escribí en la oscuridad, en un anotador y cuándo me levanté unas horas después, lo pasé a computadora. Cuando se me ocurren frases las voy anotando, nunca se sabe cuándo puedo sumárselas a algún personaje.

 LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
MY: A la Maga del libro Rayuela. Hablaría mucho de su historia con Oliverio. El año pasado dirigí el unipersonal “El último poema” de Mariana Kruk y en un momento se hablaba de ese libro. Era una historia de una chica que no podía cerrar una relación enfermiza con un ex.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro te hubiera gustado dirigir?

MY: Me hubiese gustado dirigir a Hamm y Clov, los protagonistas de “Final de partida” de Samuel Beckett. Hamm es un viejo ciego y Clov su sirviente. Es una obra maravillosa.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué? 
MY: Invitaría a Chinaski, un especie de álter ego del escritor Charles Bukowski. Charlaríamos de la vida, seguramente por cómo era en los libros, con un vino de por medio.

PH: Sebastián Sánchez


    LLTV: ¿Recordás qué libro le generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
 MY: Trato de no generarme muchas expectativas previas, de esa manera es menos probable que sienta defraudado luego.

LLTV: ¿Tenes escritores que puedan llamarse referentes para vos?
 MY: Hay varios escritores que tengo como referentes: Raymond Carver, John Fante, Stephen King, Edgar Allan Poe, Charles Bukowski. Y en teatro: Harold Pinter y Samuel Beckett.

 LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
 MY: La falta de humanidad y la falta de respeto. Que la gente no se juegue por lo que quiere, los miedos y las inseguridades, el autoboicot que percibo en muchas personas.

LLTV: El viernes 6 de marzo se estrenó “La Que Nunca Estuvo” una obra tuya. Contanos con qué se va a encontrar quien la elija para ver.

MY: Estamos muy contentos con las repercusiones que tuvimos tras el estreno. Las chicas brillaron en el escenario y la verdad que es muy destacable el trabajo de todo el equipo. Igualmente ya estamos pensando en las próximas funciones. Trabajando mucho en lo que viene. Estrenar a sala llena y ver que la gente pasó un momento agradable es una alegría enorme. Ojalá sigamos llenando la sala ya que es una obra que busca dejar un mensaje en contra de algo tan grave como el bullying. Ya que me das este importante espacio en tu blog quisiera felicitar a las chicas del elenco: Fiorella Di Carlo, Marina Rocha, Francina Adeff, Brenda Donadío y a Julieta Grimaldo. Además, el gran trabajo del asistente de dirección Nicolás Fabbro, la productora Laura Méndez, la fotógrafa Pamela Santangelo y las escenógrafas Mariana Martínez Roa y Gabriela Luna. Creo mucho en que el trabajo en equipo y la armonía en cualquier grupo son las claves para alcanzar los objetivos. La gente se va a encontrar con una comedia con cinco personajes muy divertidos y muy diferentes entre sí, pero a la vez, se van a llevarse un mensaje importante y que no hay que dejar pasar por alto.

LLTV: ¿Hasta cuándo la podremos ver en cartel?
 MY: Vamos a estar hasta el viernes 24 de abril en el Teatro La Tertulia (Gallo 826), todos los viernes a las 22:30 horas.

 LLTV: ¿Proyectos laborales, si se puede contar, para el 2015?
 MY: Es un año con muchos proyectos. Estoy dirigiendo otra obra escrita por mí que se llama PH, con un elenco de actores muy talentosos en el que están Nicolás Fabbro, Clarisa Mancini Novashiva, Luly Trasmonte, Eduardo Pérez Bordalejo y Cecilia Heroiina. Estamos definiendo la sala pero estrenaremos en el invierno. Además, en mayo se estrena una obra que escribí llamada “La vida prestada”, también con un importante elenco en el que estarán Denise Bellatti y Jimena Piccolo. Y en poco tiempo empiezo a dirigir una obra escrita por Francisco Zappia. Eso es lo que te puedo adelantar, hay más cosas ya que estoy escribiendo para otra gente pero hasta que no sea seguro prefiero no decir nada.


miércoles, 11 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "EL OÍDO PRIVADO"




Bob, Ted y Doreen, atrapados en sus vidas banales y su cotidianidad no querida por ellos mismos. Ellos ocultan ese sentimiento, pero saben que no va a cambiar nada más allá de que superficialmente muestren otra “realidad”. 

   Bob busca una mujer con la belleza de Venus, es culto, ansioso, miedoso, inquieto y vergonzoso. Ted es informal, menciona muchas palabras en francés y muestra ser mucho más experimentado con las mujeres, a lo contrario de su amigo, de hecho, coquetea con Doreen. Doreen es esbelta, vulgar, femenina, sonríe,  monótona y tiene una obsesión con su padre. En el momento del encuentro con Bob no se siente cómoda y él intenta acercarse al margen de ese clímax.

  El espacio teatral, tres bibliotecas, que si observamos con detalle, la primera tiene delante una mesa con utensilios de cocina, copas, platos, y cubiertos, un par de cada uno de ellos para la esperada cita de Doreen y Bob. La segunda, es mucho más formal con el cuadro de Venus de Botichelli y un perchero, delante de la misma, un sillón y una alfombra en donde la mayoría de las escenas transcurren allí, es la biblioteca central. La tercera es mucho más informal, contiene discos y  jarrones rústicos acompañados de estampas de fotografías y delante el tocadiscos, objeto al cual más ama Bob. Es su única compañía. Y se remarca intensamente el arte desde la música, los cuadros y los libros.
 La sinapsis principal es el amor, Los tres personajes compiten por ese deseo tan intenso de compartir la vida con otra persona. 

Según el método de Konstantin Stanislavski, era encontrar un método para que los actores puedan trabajar desde la creación de la imagen del personaje, a través de medios naturales y encarnándolo en el escenario en una bella forma artística. Éste mismo, se ve muy reflejado en ésta obra y es un trabajo muy especial y espectacular, desde el espacio físico hasta cada una de las acciones detalladas de los personajes. Eso es lo más intenso.

  ¿Acaso podemos como seres humanos cambiar ese estado tan personal y cruel hacia nosotros mismos? Ésto nos plantea para poder preguntárnoslos y tratar de resolverlo de manera individual dejando de lado lo que mostramos por fuera hacia los demás y no, lo que realmente somos.  


Ficha técnica:
Autor: Peter Shaffer; Intérpretes: Ariel Mele (Bob), Jeremías López de Celis (Ted) y Paula Russ (Doreen);  Diseño de Escenografía y Vestuario: René Diviú; Diseño de Iluminación: Marco Pastorino;  ; Asistente de Dirección: Marisa Sosa; Fotografía: Marcela Gabbiani ; Operación de Luces: Alfredo Torres; Asistente de Iluminación: Julieta Carrillo; Operación de Sonido: Marisa Sosa; Sonido y Remasterización: Nicolás Pucci; Realización de Vestuario: Marisa Buerba Indumentaria; Realización de Escenografía: Francisco Pachiullo; Diseño Gráfico: 3 Boxes; Producción Ejecutiva: Julieta Alfonso; Producción General: Clara Pizarro; Dirección General: Jorge Sánchez Mon

Crítica: Florencia Campetelli
Prensa: Silvina Pizarro

sábado, 7 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA PARAÍSO DE MARIANO RAPETTI

Ph: Alexa Bonetto



Paraíso – Dir.: Mariano Rapetti

“Explicar con palabras de este mundo que partió de mí un barco llevándome.”
                                                                             ― Alejandra PizarnikÁrbol de Diana


El Paraíso: lugar de júbilo, de sosiego, ajeno a este mundo, ajeno a las pertenencias…lugar de paz y reencuentro. La vida de Ana transita el paraíso del derrotero, donde es la sombra, el cobijo; y la falta, su sentido. Vive ella una paz artificial, malograda por la partida de su amor, Alejandro…él se fue y le dejo a ella un lastre de reproches que la hunden en lo profundo. Su mundo, una habitación desordenada. La tele, la estrella en este cosmos, irradia una luz cálida en tanto caos.

Las fronteras se perderán. Los personajes de la pantalla se entrometen en su mundo. Hasta un muñeco cobra vida. La televisión, voraz, sobrealimentada de morbo pone sus garras en la meditación diletante de Ana. Confundida, ella es parte del juego.
La obra reconstruye de forma muy original la errancia que deja el amor perdido. Un mundo onírico se hace dueño de la situación, de forma abrupta, la fantasía entra en escena. El elenco se basa en tres personajes caracterizados por Camila Donato (Ana), Miguel Angel Vigna (muñeco) y Rubén Parisi (conductor de tv), los cuales a través de una excelente performance logran la confusión adecuada para un emotivo final.

Paraíso es una apuesta llena de humor y congoja, utilizados de forma muy sutil. La sensible Ana nos dará una lección de cómo el amor se vive en los detalles simples. Una obra excelente donde la simultaneidad de lo fantástico y lo vivido genera situaciones divertidas y conmovedoras.

Paraíso, con dramaturgia de Mariano Rapetti, se presenta en un lugar espectacular que se llama Centro Cultural El Matienzo, Pringles 1249 CABA, los Martes 20:30 hs.

Elenco:
Camila Donato (Ana)
Miguel Angel Vigna (muñeco)
Rubén Parisi (conductor de tv)

Ficha técnica:

Diseño de Iluminación: David Seiras/ Diseño de Vestuario y Escenografía:Melisa Califano/ Realización de vestuario:Guillermina López Colantonio, Lucina Tropini/ Diseño Gráfico: Héctor Barreiro/ Fotos: Alexa Bonetto/ Poema: Mariano Blatt / Operador: Juan Martín Guerrieri / Asistente: César Augusto Benitez/ Supervisión Dramaturgica: Ignacio Bartolone/ Dramaturgia y dirección: Mariano Rapetti


Crítica realizada por Guido Facile

jueves, 5 de marzo de 2015

ENTREVISTA LITERARIA CON EL ACTOR LUCIO CERDÁ




LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona

LC:   Libros importantes han sido sobre todo los que me inspiraron como actor. “El espacio vacío” de Peter Brook, “La construcción del personaje” de Stanislavsky, “un sueño de pasión” de Lee Strasberg. También “Operación Masacre” de Rodolfo Walsh, y “Rayuela”

LLTV: ¿Último libro que leíste?

LC: Leo varios libros a la vez. Por lo general salto de uno a otro y así voy leyendo siempre. Ahora leo “El hombre y sus símbolos” de Carl Jung, y también “El Berlín Demónico” de Walter Benjamin

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

LC:  Vamos a las fuentes… “El Principito” cuando era un niño, luego las poesías de Neruda, sobre todo el libro “El Corazón Amarillo” Estos libros, me hicieron reflexionar sobre cuán misterioso es el amor. (aún no lo descifro) 

LLTV: ¿Solés escribir?

LC: Escribo bastante. Pero por épocas.

LLTV: ¿En qué circunstancia?

Escribo cuando estoy enamorado. Y muchas veces apenas me levanto, casi como un ejercicio, relatando sueños o anhelos. También soy muy pesado con las cartas… escribo muchas cartas,

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro te gustaría interpretar en una obra de teatro, y por qué?

LC:  Son muchos,  desearía interpretar a tantos… pero podría decir que a Jacquemort del “Arrancacorazones” de Boris Vian. Jacquemort es tan existencialista… esa sátira me resulta muy atractiva. La necesidad de encontrar un amor para tapar su propio vacío y adueñarse de la personalidad ajena porque carece de una propia es muy interesante para componer. 

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, a los efectos de conocerlo más íntimamente?

LC: Hay un libro de José Sbarra que se llama Plástico Cruel, y es la historia de un niño que deviene en adolescente, y que es criado (y amado) por una travesti.. bueno.. los invitaría a los dos. Y a la Maga !!! Ya que estamos

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la  misma o mayor proporción?

LC:  El Alquimista. Tendría que haber escuchado a mi vieja y no leerlo.

LLTV: ¿ Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

LC:  Necesito luz. Y sonido de naturaleza en lo posible. Y un señalador. Y lápiz. Me gusta marcar los libros.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más le sorprende de la humanidad?

LC: La vanidad, y el miedo. Ah.. y el amor por supuesto. El amor cuando transforma todas las cosas.

LLTV: ¿Con qué se va a encontrar la gente que va a asistir a ver “Sin Dios” (estreno 7 de marzo a las 21h en El Estepario, Av. Medrano 484 (C. A.B.A)?

LC: Con una obra que plantea a través del humor, muchos interrogantes sobre el vacío, sobre el fracaso, sobre los sueños. Quizás sin poder dar respuesta a nada. (al menos los personajes, que no salen de este lío satisfechos) El universo de lo simbólico está plasmado sin pretensiones, con una estética muy bella y una manera poco convencional de contar el cuentito. La van a disfrutar!

LLTV: La obra se estrenó en España en el 2003 ¿cómo surge el proyecto de estrenarla en Buenos Aires?

LC: Marina Wainer y yo veníamos trabajando allí con diferentes montajes, hasta que la tierra empezó a tirar y a llamarnos. Siempre estaba en cada uno esa sensación de volver a tus calles, a tus sabores, a tus viejos… al rock!  Decidimos volver, primero yo, luego ella, y hacer exactamente lo que habíamos hecho En Madrid pero en Buenos Aires y con actores de acá. En los teatros de acá. Con ese público exigente y a la vez flexible, que en seguida entra en el código y se deja llevar. España nos dio muchas satisfacciones, premios y reconocimiento. Ese fue el motor de confianza para desembarcar En Baires. Y bueno… aquí estamos

LLTV: ¿Qué otros proyectos tenés para este año?


LC: Siempre estamos con proyectos con “Viajarera Producciones”. EL siguiente espectáculo que haremos será “Monstruos o mala gente” que con el sello de Marina como dramaturga y directora, tratamos de romper con todos los tópicos teatrales, y siempre utilizando el humor como punto de partida. También me espera una gira posible con Osvaldo Bayer con quien trabajé todo el año pasado en el Cervantes con el espectáculo “Las putas de San Julián” y espero que muchas mas cosas! 



Lucio Cerdá protagoniza "Sin Dios" los sábados de marzo desde las 21 Hs, junto a Jorge Noguera y Marina Wainer. Esto es en El Estepario Teatro, Av. Medrano 484 (C.A.B.A) Entradas $100. Descuento a jubilados y estudiantes. 


Prensa: Carolina Reznik