jueves, 11 de enero de 2018

ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ EUGENIA ALONSO



LLTV: Los tres libros más importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
EA: He leído muchos libros que no sé si me constituyeron como persona, pero sí que me impresionaron en mi infancia y adolescencia: Fábulas , El Principito (A. De Saint-Exupery), Cuentos de amor, locura y muerte ( H. Quiroga), Cien Años de Soledad ( Garcia Marquéz), A Sangre Fría ( T. Capote)

LLTV: ¿Último libro que leíste?
EA: Estoy leyendo Siete Casas Vacías ( S. Schweblin) y Las Cosas que Perdimos en el fuego ( M. Enríquez).

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
EA: 1984 (G. Orwell) por su visión futurista sobre cuestiones político-sociales; un visionario. Zama ( A. Di Benedetto). Me gustan los libros hablan sobre el hombre como presa de una máquina social y su capacidad de libertad interior. Crimen y Castigo (F. Dostoievski) por la capacidad de introducir al lector en la mentalidad afiebrada de su personaje y universalizar cuestiones relacionadas con la dualidad humana.

 LLTV: ¿En qué circunstancias escribís, si es que ejerces la escritura?
EA: Escribí algunos relatos durante viajes, como diarios de ruta con acontecimientos y cuestiones sensitivas. También escribí algunos textos teatrales en creación conjunta con Gaby Ferrero para nuestro grupo Ácido Carmín y otros en solitario que aún no han visto la luz

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
EA: A alguno de los personajes de los  cuentos de Silvina Ocampo, tal vez un café con leche a los niños de La Naranja Maravillosa (cuentos).

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
EA: Sin dudas invitaría a cenar a Don Quijote, nada mejor que un buen contador de historias desopilantes.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
EA: Creo que los libros cuyas versiones cinematográficas vi primero: La Insoportable levedad del ser ( M. Kundera)

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
EA: La capacidad de autodestrucción.

LLTV: El 24 de enero estrenan “Olvidémonos de ser turistas” nada menos que en Barcelona. ¿Qué expectativas tenés?
EA: Las mejores; por el maravilloso proceso de ensayos, con un equipo artístico y técnico de gran entrega, y porque sobretodo admiro la dramaturgia de Josep M. Miró, quien escribió el texto especialmente para este equipo y la dirección de Gabriela Izcovich; creo que será una mixtura muy potente , sumada a la particularidad de mezclar actores argentinos y españoles.

LLTV: Inevitable preguntarte cómo ves el teatro argentino en virtud del momento económico que vivimos. Desde tu visión como actriz como fue el 2017 y como vez que se proyecta para el 2018.
EA: Es un tema complejo. Yo pienso que las crisis económicas y sociales siempre actúan negativamente sobre la vida  de las personas, ya que les produce un estado de zozobra muy fuerte. Es necesario tomar estos procesos para resistir y poner de manifiesto la creatividad, la opinión y reflexión sobre estas cuestiones q afectan a la sociedad. Es en el teatro o en el cine donde yo encuentro espacios profundos de expresión para encontrarse con el otro (el público) y con uno/a mismo/a (actor/actriz). Creo en una sociedad que trabaja en equipo por el bienestar de sus individuos. El 2017 no fue un año fácil, sino todo lo contrario. Espero que el 2018 traiga muchas cosas buenas. En realidad mi sueño de venir a Barcelona a ensayar esta obra y con este equipo artístico me da toda la energía para proyectar un año donde Olvidémonos de ser Turistas, sea la obra que abra puertas en varios sitios en mi país, que es mucho más que Buenos Aires y otros del continente. Para empezar Barcelona y Madrid ya abrieron sus puertas.

LLTV: ¿Qué otros proyectos tenés para el 2018, que se puedan contar?

EA: Tengo una propuesta para  el Teatro San Martín, para integrar elenco con una obra que dirigirá Helena Tritek: La reunificación de las dos Coreas , de Joel Pommerat. 

martes, 26 de diciembre de 2017

ENTREVISTA A LA CANTANTE SOFÍA BELÉN MACCARONE




LLTV: Los tres libros más importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona. 
SBM: Bueno, en principio debo decir que no soy una gran lectora. Me gusta mucho leer, pero por lo general, en mi tiempo libre, siempre prefiero hacer música, o en su defecto, escucharla. Sim embargo, si tengo que elegir tres libros, creo que serían: toda la saga de “Harry Potter”, que en realidad son siete, pero son personajes que crecieron conmigo, sus protagonistas iban teniendo la misma edad que yo a medida que la historia avanzaba, así que sin dudas, son los más importantes. “Mi planta de naranja lima”, también es un libro que me marcó. Lo leí cuando era muy chica, y logré con él dejar salir mis emociones: fue el primer libro con el cual lloré. Y por último, elegiría el libro “Las voces de desierto”, de Marlo Morgan: me atrapó por completo, tal vez por toda la aventura que narra, que coincide con mis ganas eternas de aventurarme a nuevas experiencias.
LLTV: ¿Último libro que leíste?
 SBM: “Terapia” de Sebastian Fitzek
 LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
 SBM: Lo que más me gusta leer, son novelas. O libros que de alguna manera narren una historia, no importa el género. Sin embargo, el libro que marcó mi vida para siempre no tiene nada que ver con esto. “El secreto”, de Rhonda Byrne, libro que explica y transmite el funcionamiento de la ley de la atracción, marcó un camino, una filosofía de vida para mí.
LLTV: ¿En qué circunstancias componés?
SBM: Suelo componer en mi casa, principalmente. Aunque lo primero que escribo son las letras; es decir, primero escribo una historia, frases o versos en base a lo que quiero contar, que en general se trata de alguna experiencia propia. Y eso se puede dar en cualquier momento y lugar: en medio de una charla, en el colectivo, caminando. Una vez que tengo narrada una idea, y me parece que ya tomó cierta forma concreta, cierto sentido, me cuelgo la guitarra y empiezo a convertir en melodías las palabras.


 LLTV: ¿Qué música va a escuchar quien quiera conocerte como artista?
 SBM: La influencia más significativa en mi música, es la folclórica. Pero, desde ya, no es la única: en mi disco hay canciones de varios géneros, desde una chacarera, hasta una bossa nova, una balada, o un flamenco. Creo que es un disco muy versátil, y que es fácil que guste a todo tipo de personas. A los jóvenes, por sus melodías pop, y a los no tan jóvenes por las raíces folclóricas.
LLTV: ¿Qué material compone tu repertorio, temas propios y covers?
 SBM: Si, exacto. El disco se compone de nueve canciones propias y dos versiones. Una de ellas es “Barro Tal vez, del Flaco Spinetta, y la otra es “Zamba Para No morir”, de Hamlet Lima Quintana. En los conciertos, suelo agregar algunos covers más; canciones conocidas, o del repertorio popular, para que todos puedan disfrutarlo: los que conocen mis canciones, y los que no. Creo que es la mejor manera de que vayan conociendo mi música, de una manera más amena, porque es muy difícil asimilar muchas canciones nuevas, todas juntas.
LLTV: Dónde se puede comprar tu material y dónde se te puede escuchar
 SBM: Mi disco “Desde El Sur”, está disponible en todas las plataformas digitales: Spotify, Itunes, Google play, etc.
LLTV: ¿Cuáles son los proyectos para el 2018?

SBM: En principio, voy a estar cerrando el año el 30 de diciembre en el Centro Cultural No Me Olvides, en Lomas de Zamora, a las 20.30 hs. Luego, voy a ir a la ciudad de Cosquín, a tocar en sus peñas. Hay una movida folclórica muy fuerte allí, así es que es una excelente manera de difundir mi material. Y cuando regrese, seguramente tenga más fechas en festivales, que aporten a la difusión.

martes, 14 de noviembre de 2017

CRITICA A LA OBRA TEATRAL EL REGRESO. DE BRIAN FRIEL DIRECCION: AGUSTIN ALEZZO





Una familia atravesada por un suceso trágico, está destinada a repetirlo una y otra vez, para finalmente comprender lo que sucedió.

Desde un clima cálido y desolado, con notables marcas de abandono y de un pasado inminente, nos hacen participe de un regreso, de una historia de amor, odio, verdades y mentiras; pasiones ocultas y problemas familiares, donde cada uno de los miembros de esta, reviven recuerdos de momentos vividos mediante una representación guiada de su propia vida, realizada por un personaje/director/didascália a partir de un libro, donde está impresa la historia familiar y tiene la potestad absoluta sobre esta, siendo totalmente obviados los hechos que sucedan y estén fuera de él. Este, cumple con el papel de libro de la vida, con un destino que está marcado y no se puede cambiar; de igual forma se establece la imposibilidad de saber que algo malo sucederá y no poder hacer nada para evitarlo.

Una propuesta diferente, fresca y audaz. Una obra dentro de otra obra, dirigida por una didascália que desde el estar y no estar en escena toma cuerpo. Cambios de ritmos por personajes que irrumpen y rompen lo cotidiano, crean una atmosfera dramática y cómica por momentos; actuaciones con gran proyección y realismo, les permite a los personajes atravesar por diferentes estados, momentos y sensaciones que los hace viajar en el recorrido de la obra y de paso, logran trasmitir y generar imágenes al espectador a través de un texto completo en su construcción y de gran sonoridad. Las relaciones y vínculos que se establecen, entrelazan al espectador y hace posible seguir el hilo total de la historia.




ELENCO

Carlos Kaspar (El señor)
Bernardo Forteza (Padre Tom)
Stefania Koessl (Anna)
Claudio Amato (Charlie)
Sol Fassi (Tina)
Lorena Saizar (Helen)
Magela Zanotta (Myriam)
Alejandro Fain (Frank)
Federico Tombetti (sean)

Asistencia de Dirección: Edgardo Millan
Diseño de Escenografía: Marta Albertinazzi
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Diseño de iluminación: Felix Chango Monti
Diseño de Vestuario: Analia Morales
Músicos: The Oxers + The Border Reivers
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Arte y Diseño Gráfico: Pablo Bologna
Traducción de Texto: Agustin Alezzo
Realización Escenográfica: Juan Edgardo Reynoso
Fotografía: Ignacio Lunadei
Diseño de Maquillaje y Peinado: Sabrina San Gil
Vestidor: Osvaldo Gilio
Producción Ejecutiva: Ezequiel Procopio
Producción Artística: Sebas Rojas


Prensa: Octavia Comunicación

Crítica: Alejandra Moreno

Dirección: Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA
Funciones: Jueves a Domingos, 20:30 hs.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.



miércoles, 8 de noviembre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BUFARRA"




Silvio, que acaba de salir de prisión, llega a Podestá a visitar a su amigo de la infancia, Vicente, y a su hijo Ángel. Un asado que se cocina “de verdad” en el transcurso de la obra es la excusa para el encuentro que da inicio a esta interesante experiencia teatral.

Con dramaturgia y dirección de Eugenio Soto, “Bufarra” sucede al aire libre, en el patio del Espacio Polonia, los domingos a las 21 hs.

Vicente asa carne en una parrilla mientras espera a su amigo y compañero de militancia, Silvio, que acaba de salir de la cárcel por ser acusado de bufarra. La mujer de Vicente no está de acuerdo con el encuentro por ese motivo y además porque la pareja tiene un hijo adoptivo menor de edad. Este punto abre el juego a las distintas situaciones que se plantean en la obra.

Con actuaciones potentes de un gran elenco, cada personaje transita los distintos matices y tensiones que se ponen en juego a través de gestos bien marcados, calidad vocal,  palabras contundentes y sutilezas. La construcción de los personajes está muy bien lograda y acorde al estereotipo de identidades que se plantea en la obra, una visita con conductas ambivalentes, una familia de clase media con vínculos inestables y un hijo adoptivo que sufre bullying en el colegio por su gordura. Con ese planteo y un impecable procedimiento de situaciones encadenadas, el director logra abordar con excelencia temas como el deseo, la pedofilia, la venganza, el amor, la identidad. Eugenio Soto utiliza la empatía de los personajes para tocar contundentemente estos temas.

El diseño del espacio escénico invita al espectador a ser casi participe e involucrarse emocionalmente con cada situación. Crea el ambiente adecuado y aporta al accionar de cada uno de los personajes.

“Bufarra” es una obra que nos hace viajar a través de cada personaje, nos envuelve y nos lleva a reflexionar y cuestionar de forma constante temas fuertes de la sociedad.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Eugenio Soto
Actúan: Leilén Araudo, Facundo Cardosi, Leo Espíndola, Martín Mir, Darío Pianelli
Diseño de vestuario: Lucía Scarselletta
Espacio escénico: Félix Padrón
Diseño de luces: Félix Padrón
Fotografía: Mariano Martínez, Juan Francisco Reato, Franco Vaca Braylan
Diseño gráfico: Juan Francisco Reato
Asistencia de dirección: Mara Beger, Nerina Carunchio
Prensa: CorreyDile Prensa
Producción ejecutiva: La Jangada Producciones
Dirección: Eugenio Soto


Crítica: Fabiana Mureide

CRÍTICA A LA OBRA "EL AMANTE DE LOS CABALLOS"




Una obra que supo transformar en un hecho teatral los textos de Tess Gallagher, viuda del conocido escritor Raymond Carver. “El amante de los caballos” es un monólogo poético protagonizado por Anna Scannapieco, adaptado y dirigido por Lisandro Penelas, miembros de La compañía Moscú Teatro. Las funciones se realizan los sábados, en Camargo 506, a las 20:30 hs.

Una hija transita la enfermedad y muerte de su padre, a la vez que recuerda la historia de su abuelo y de su familia. En este trayecto reconoce que la une a sus antepasados.

La actuación de Ana Scannapieco resulta sumamente atrayente. Logra cautivar al espectador con su destreza corporal. Juega a ser un caballo, pero no lo es, lo evoca a través del cuerpo.  La actriz genera momentos de complicidad con el público mediante la mirada, los gestos, los susurros y la expresividad vocal con la que atraviesa los distintos matices que hacen a la muerte, la enfermedad, las adicciones, la locura, la infancia y otros temas abordados en la obra. La excelente articulación y el volumen de la voz resulta una pieza clave del relato. Con todas estas herramientas, Scannapieco nos brinda momentos de humor absurdo, tiernos y emotivos. La capacidad creativa del director potencia y enriquece todas estas herramientas con las que logra fluidez y embellece la obra.

La escenografía con objetos que remiten al establo junto con la iluminación tenue y el vestuario, crean un espacio íntimo y un ambiente adecuado y verosímil para el desarrollo de la trama. Los acordes del chámame contribuyen a la puesta en escena.

La obra, luego de una hora, finaliza en el punto exacto en que el espectador se encuentra profundamente conmovido y sumergido en el relato. “El amante de los caballos” es una puesta de extremada belleza poética, llena de imágenes y de sutiles movimientos actorales.
  
Ficha técnico artística:

Sobre textos de: Tess Gallagher
Adaptación: Lisandro Penelas
Actúan: Ana Scannapieco
Vestuario: Gonzalo Cordoba Estevez
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Diseño de luces: Soledad Ianni
Música original: Hernán Crespo
Fotografía: Ariel González Amer
Diseño gráfico: Martín Speroni
Asesoramiento coreográfico: Sabrina Camino
Asistencia de dirección: Julieta Timossi, Ricardo Vallarino
Prensa: Luciana Zylberberg
Producción ejecutiva: Cecilia Santos
Dirección: Lisandro Penelas

Crítica: Fabiana Mureide

domingo, 5 de noviembre de 2017

CRÍTICA AL DISCO "LA FUERZA COLIBRÍ"




Láudano en Canciones nos hace un regalo enorme a quienes amamos la música de raíces latinoamericanas. Las guitarras, el acordeón y la percusión suenan perfectos, y en los momentos precisos en este segundo álbum “La Fuerza Colibrí”. La virtuosa voz de Florencia Albarracín y la profundidad poética en las letras hacen de este disco un verdadero hallazgo.

No me van a ver caer,
 te lo juro no miento,
es tan grande lo que siento,
y me van a ver volver

Alegría y aires de resistencia se respiran en este nuevo disco, con algún guiño existencial. La introducción es un instrumental corto con punteos de guitarra y algo del acordeón de Florencia. A partir de ahí la fuerza de las letras y la frescura musical nos levantan las defensa.

Hay algo muy particular que no nos pasa muy seguido al escuchar un disco, y es que al escuchar a Láudanos nos sentimos dignos. No es para nada música pasatista, es música para sentirnos mejores personas, más aún en tiempos donde parece que todo tira para abajo, el ritmo que impone “La Fuerza Colibrí” es alto, hasta por momentos invita a bailar. Lo que no podemos ni por un segundo, es dejar de escuchar las letras.

Levántate y sacúdete el polvo del cuerpo,
Deja que el dolor te transforme en fuego


Como ya sucediera en el primer corte de Láudano, los colores más vivos acompañan cada uno de las canciones, aún en aquellas canciones donde aparece la oscuridad referencial de la violencia de género, lo que aparece abigarrado en las letras, desborda de una ilusión y una emoción que no se puede contener. Porque más allá de las marcas nunca hay que dejarse caer.

“No quiero que me den flores,
Yo quiero florecer”

Finalmente, la banda suena sólida todo el tiempo. Capítulo aparte para la voz de Florencia Albarracín. Es la pasión en carne viva, una voz milagrosa.

Flor Albarracín: voz & acordeón
Juan Matías Tarruella: guitarras, efectos, coros y rap.
Martín “terrible” Ortiz: trombón
Ezequiel Quinteiro: percusiones
Nico Perotti: bajo y coros
Gastón Matorra: guitarra y coros
Pablo Aragona: batería
Sumate a las redes
FB/Láudano en Canciones
@LaudanoOficial ​
IG laudano_encanciones


jueves, 2 de noviembre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "DELIRIO A DÚO"




Delirio a dúo no nos invita, mas bien nos obliga a un viaje, que no estamos seguros de querer transitar, que es el del auto examen, nos pone un universo repleto de adversidad y dolor frente a nuestros ojos, y nos hace preguntarnos sobre nuestras propias miserias. Nos horroriza lo de afuera, y no podemos advertir que es el triste reflejo del adentro...

Irónica y caótica, Delirio a dúo, de a ratos peca de pretenciosa y extensa, pero podríamos justificarla diciendo que el fin justifica los medios.

Genera un constante estado de alerta y nerviosismo,  seguramente premeditada por su director,  Carlos Rozo,  que nos deja en estado de alerta, y nos empuja a un auto examen para ver que tanta violencia suportamos día a día.. y mas cruel aun, nos invita  casi obligadamente a preguntarnos cuanta violencia habita en nuestro día a día, en nuestros vínculos, en nuestro universo personal.

Destacada labor de los actores, Cristian Meneses y Andrea Vergel, que le ponen el cuerpo y la voz a estas dos criaturas en guerra... tan frágiles e indefensos, como perdido en su mundo interior/exterior que no logran comprender, más si padecer. 



Crítica: Noe Ragaglia


martes, 31 de octubre de 2017

ENTREVISTA AL DIRECTOR TEATRAL Y ESCRITOR MAURO YAKIMIUK


PH: Mai Albamonte


LLTV: Contanos qué obras de teatro estas preparando para este año?
MY: Este año estoy dirigiendo la obra La Guerra del Gallo, que es un unipersonal escrito por Juan Guinot y protagonizado por el actor Martín Amuy-Walsh. Vamos a estar todos los viernes a las 21 horas, desde el 3 de noviembre, en La Gloria Espacio Teatral (Yatay 890). Estamos muy contentos con la obra y con muchas ganas de estrenar y ver la reacción del público. Nuestro equipo se completa con el músico Lucas Guinot y el escenógrafo Camilo Guinot. La obra cuenta la historia de un ex no combatiente de Malvinas, una persona que se anotó para pelear en la guerra pero nunca lo convocaron. Es una obra muy interesante, muy dinámica y en la que van a ver a un gran actor en escena.

LLTV: Como si fuera poco tenemos al Mauro Yakimiuk escritor de ficciones. Corregimos si no nos equivocamos pero tenes una novela terminada y otra en camino.
MY: Exacto. Tengo una novela terminada que se llama Nada me ata y ahora estoy terminando de escribir la segunda. Hago taller con el escritor Luis Mey que además de un gran escritor y maestro, es un hermano para mí. Aprendo mucho en sus clases y la verdad que lo recomiendo ampliamente como tallerista.

LLTV: ¿Cómo nace la idea de Nada me ata?
MY: Nada me ata nace de una frase que dice que a la gente buena le pasan cosas malas y a la gente mala, cosas buenas. A partir de ahí cuenta la historia del protagonista de la novela a la que le van a pasar una serie de peripecias y hasta tragedias que hacen que la frase inicial vaya teniendo otro sentido.

LLTV: ¿Qué cosas le suceden, con qué se encuentra el Mauro Yakimiuk en el acto de escribir?
MY: Es una de mis pasiones. El acto de escribir es muy solitario. En mi caso siempre escribo con un objetivo fijado previamente. Si es una obra, que se pueda llevar a cabo en algún momento y en el caso de las novelas, que en un futuro puedan publicarse. Respecto a la escritura de obras de teatro es una sensación maravillosa cuando los personajes toman vida y uno puede ver en cada función que los actores dicen lo que yo como autor escribí hace un tiempo. Después, como autor cuando estoy en el proceso de escritura durante varios del día tengo presente la historia y se me van ocurriendo cosas que a veces voy anotando en un papel para luego, pasarla a la computadora. Y cuando estoy cerca de terminar pienso mucho acerca del posible final y esos son días más estresantes. Cuando termino, aparece una sensación de alivio.

LLTV: ¿Estás con algún proyecto más?
MY: Si, estoy escribiendo la serie web Imperfectos que vamos a empezar a grabar a fines de noviembre, principios de diciembre. Va a ser protagonizada por Nicolás Ontano y Solange Verina. Además, va a contar con la participación de Georgina Mollo. Yo voy a estar a cargo del guión y de la dirección y elección de actores. Esto último junto a Nicolás Ontano que fue el que me acercó la propuesta de escribir una serie. Ya tenemos el elenco definido y va a estar formado por un grupo de actores muy talentosos.


miércoles, 25 de octubre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA "HASTA EL FIN DE LOS TIEMPOS"



            Una obra que supo ensamblar a tres grandes clásicos universales Ricardo tercero, Hamlet, y Lady Macbeth traída a nuestros tiempos, el director supo hacer un blend con cada obra y así también contar situaciones que si viven en la modernidad.

            Roberto, un personaje que maneja mucho poder que tiene el don de la palabra, esta arma elemental en la modernidad como dice René Girard. Roberto por llegar al poder hace trampa, mata a su compañero de lucha y no pudiendo saciar su alma, enamora a la esposa de su amigo muerto engañándola y provocándole la muerte.

             Roberto ha llegado, ha cumplido su objetivo, es dueño y señor de la casa y del lugar donde gobierna tiene a su lado a la mujer que siempre quiso, pero así y todo es un pobre hombre que da lástima.  Tanto poder junto, tanta obsesión por gobernar, termina generando pena y repudio en la sociedad.
            Me doy vuelta para observar el rostro de los espectadores y es como si de alguna forma quisieran hacer justicia por todo el mal que está ocasionando este manipulador, pero todos se muestran cautelosos en sus asientos esperando el desenlace de esta obra.

            Todos los espectadores somos reticentes de Roberto. Pero ahora nos damos cuenta de que acaba de  matar a la mujer de su amigo muerto y todos nos preguntamos -¿Por qué lo hizo? ¿Acaso no era la mujer con la que siempre soñó? De a poco vemos que un cenital alumbra a una joven de diecinueve años, con ojos azules, cabello enrulado y piel blanca. Roberto no está conforme con nada, irá en busca de esta joven. ¿Lo logrará? Personas como Roberto nunca sacian el hambre de su alma y cuando se dan cuenta del mal y del horror que cometieron suelen tener una lápida en sus cabezas.

            El director Alejo Beccar ha sabido complementar cada escena con un lenguaje sumamente entendible desde el juego de ajedrez al principio que envuelve poder, terror, muerte, miseria y todo lo que un juego de ese nivel significa. Las actuaciones de los actores y actrices impecables,  marcando con una leve diferencia de actuación, cuando son actores y cuando son fantasmas. Las luces y el vestuario un lenguaje fuerte que acompaña en toda la obra.

            Excelente adaptación que demuestra cómo la política al principio es una bomba con luces de colores pero que si te revienta en la cara te mata.  Excelente dirección y hasta me atrevo a manifestar una reescritura de grandes clásicos.-

Funciones: Sábados a las 21.00 hs.
Teatro La Tertulia: Gallo 826 (CABA) Reservas: 4865-0303
Entrada: $220. Estudiantes y jubilados: $190  + info: Ficha técnica:
Elenco:
Héctor Castagnino                                        
Enrique Cragnolino      
Natalia Imbrosciano   
Andrés Rojas 
Zulma Rossini              
Vestuario: Agustina Valdes
Diseño gráfico: Nicolás Senestrari
Diseño de luces y escenografía: Alejo Beccar
Prensa: CES
Fotografía: Laura Cecilia Alvarez
 Asistente de dirección: Laura Cecilia Alvarez
 Producción: Teatro La tertulia
 Dramaturgia y dirección: Alejo Beccar






Crítica: María Cecilia Durán